后天要演奏的交响曲是莫扎特的《G 大调交响曲》。这是那位天才的后期作品，在优美的旋律中透露出孤独与彷徨，是一首悲伤的曲子。这首曲子没有铜管乐器，仅由弦乐器、长笛、双簧管、中提琴、圆号演奏。这种悲剧性的氛围与曲子非常契合，我看着乐谱，脑海中不禁浮现出许多画面。
带着这样的思绪，我和柏林爱乐乐团的成员们一起演奏了莫扎特的《G 大调交响曲》，感觉很不错。
一次练习结束后，尼亚·瓦尔格雷走了过来。
“因为日程繁忙还能练习成这样，很不错啊。”他夸赞道。
“这是我第一次演奏这首曲子。”我说道。
“啊？”他似乎有些惊讶。
“因为没时间，所以是第一次演奏，但按照乐谱演奏就比较容易配合。”我解释道。
或许是因为“第一次”这个说法让他感到意外，尼亚·瓦尔格雷一时没有说话。
“哈哈哈哈。首席，他本来就是这样的，没什么好惊讶的。”中提琴首席诺伊尔笑着说道。
“诺伊尔。”尼亚·瓦尔格雷叫了一声。
“因为莫扎特的曲子听得很多嘛。”诺伊尔说道。
“在这里，没怎么听过莫扎特曲子的人能有几个啊，小家伙。过来一起看看乐谱吧。”诺伊尔招呼我过去，我发现大家都在分享各自对曲子的理解。
遵循威廉·富尔特文格勒的解读当然是理所当然的，但像这样先进行讨论然后再提出意见，是柏林爱乐乐团长久以来的传统。在既定的事情上，会完全听从常任指挥的安排，但在那之前，可以自由地交流沟通。我想这也是因为大家在各自的领域都是世界顶尖水平，才能够做到这样吧。
“所以关于这部分，我想向首席提出建议。”有人说道。
“如果加入更多的长笛，旋律会更突出吧。”
“是吗？但最近我觉得不应该过度强调旋律，因为大家的注意力都在那上面了。”
“如果进行协调的话，应该没问题吧，会有效果吗？”
“肯定会更有感染力吧？”
乐器数量增加一倍，并不意味着声音就会大一倍。小提琴或者大提琴这样的弦乐器演奏者，通常是两人共用一份乐谱。这是因为演奏过程中没有停顿，通常需要在演奏时传递乐谱。所以两人一组，一个人持续演奏，一个人负责翻页，共享乐谱架。一般是内侧的演奏者负责翻页，靠近观众的演奏者持续演奏。从演奏的乐器数量来看，就好像有一半的乐器停止了演奏，但实际上人们并不会明显感觉到这种差异，所以少一把乐器或者多一把乐器并不会产生太大的实际影响。要想让十个人演奏的声音增大一倍，大概需要一百个人才行。